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9 brani di valzer jazz che dovresti conoscere

Bene, ci sono diversi motivi per cui l’apprendimento dei valzer jazz è cruciale per il tuo sviluppo musicale. Che tu suoni il piano, la tromba, la chitarra o la batteria, vorrai studiare il valzer jazz per i seguenti motivi⁠—

  • La musica jazz è tradizionalmente suonata in 4/4 con quattro battute per misura. Un valzer jazz è scritto in 3/4 e ha tre battute per misura. Il tempo 3/4 è un paesaggio ritmico diverso rispetto alla maggior parte delle altre forme di musica americana. Imparare a navigare in metri dispari come improvvisatore o durante il comping è un aspetto fondamentale del suonare jazz.
  • I musicisti jazz devono imparare molti standard jazz. È incredibilmente importante conoscere il repertorio standard in modo da poter comprendere appieno il linguaggio del jazz e comunicare in modo efficace con altri musicisti jazz, e molti dei più grandi esempi di musica jazz sono i valzer.
  • La musica jazz copre una gamma abbastanza ampia di sottogeneri, come dixie, bebop e altri stili culturali, come la bossa nova. Per comprendere questa forma d’arte, suonare abilmente musica jazz ed entrare in contatto con musicisti jazz di tutto il mondo, avrai bisogno di conoscere il valzer.

9 valzer jazz che i musicisti jazz devono conoscere⁠—

Se stai esaminando il tuo repertorio jazz e ti rendi conto di non conoscere alcun valzer, allora questa lista è il posto perfetto per iniziare. Questo elenco non è in un ordine particolare e non è affatto completo. Piuttosto, contiene una varietà di interpretazioni diverse del valzer jazz.

Ce ne sono molti da imparare, ma per non lasciarti sopraffatto, eccone 9 che ti suggerisco. Puoi fare clic su uno qualsiasi dei titoli per saperne di più, ottenere grafici degli accordi, suonare insieme e ascoltare le registrazioni.

1. Alice nel paese delle meraviglie

Alice In Wonderland è un valzer jazz scritto da Sammy Fain per il classico Disney del 1951 Alice In Wonderland. Il pianista Bill Evans ha probabilmente portato questa canzone alla popolarità nel mondo del jazz con la sua incredibile registrazione della domenica del 1961 al Village Vanguard. La registrazione di Evans è spesso citata come esempio dello stile “jazz modale” reso popolare negli anni ’60.

2. Valzer Jitterbug

Questo è facilmente uno dei miei valzer jazz preferiti. Jitterbug Waltz è stato scritto dal pianista Fats Waller nel 1942. La versione originale è stata registrata con un Hammond B3, che in seguito sarebbe diventato uno strumento popolare nel jazz. Uscendo dall’era dello swing classico, questo valzer contiene un ritmo swing vivace e contagioso, con il pianoforte e la voce di Waller in primo piano.

3. Bluesette

Bluesette è stato scritto dall’armonicista Toots Thielemans. Dal primo battito, è diventato un successo internazionale negli anni ’60 ed è stato originariamente registrato con lui che fischiava la melodia insieme a una chitarra. Questo valzer rappresenta un netto allontanamento dagli arrangiamenti più strutturati dell’era dello swing. Questo valzer è anche un ottimo esempio della creatività e della sperimentazione dell’era post-bop, con la sua fusione unica di elementi di musica jazz e folk.

4. Impronte

Questo è sicuramente importante da sapere. Footprints è un brano scritto dal grande sassofonista Wayne Shorter. È apparso per la prima volta nel suo disco del 1966 Adams Apple. Il valzer presenta una melodia distintiva suonata su una variazione del blues minore, conferendogli una qualità ipnotica e simile alla trance.

5. Tutti gli azzurri

Un altro valzer jazz molto comune. All Blues è stato scritto da Miles Davis per il suo disco più venduto del 1959, Kind Of Blue. È un blues di 12 battute con V7 a bVI7 a V7 nelle battute 9 e 10, una firma di questo brano. “All Blues” è un ottimo esempio della creatività e della sperimentazione dell’era post-bop, con la sua miscela unica di armonia modale e forte enfasi sul blues.

6. Primavera saltata in alto

Up Jumped Spring è un brano scritto dal grande trombettista Freddie Hubbard. Trovo che questo valzer jazz sia molto divertente da suonare! Questo valzer è un ottimo esempio dello stile “hard bop” emerso negli anni ’50 e ’60, caratterizzato da una combinazione di influenze bebop e blues e da una maggiore enfasi sull’improvvisazione.

7. Brutta bellezza

Questa potrebbe non essere la canzone più facile, né la più comune, ma è un buon valzer su cui lavorare. Ugly Beauty è stato scritto dal grande pianista e compositore innovativo Thelonious Monk. È stato registrato nel suo disco Underground del 1968 ed è l’unico valzer che abbia mai scritto. Questo valzer contiene tutte le melodie, le armonie e i ritmi unici, idiosincratici e non convenzionali di Monk.

8. Un giorno verrà il mio principe

Questo valzer sembra essere uno dei preferiti dai jazzisti. Un giorno verrà il mio principe è una melodia scritta da Frank Churchill e testi di Frank Morey per il film d’animazione di Walt Disney del 1937 Biancaneve e i sette nani. Someday My Prince Will Come è un ottimo esempio del crossover tra jazz e musica popolare attraverso le interpretazioni creative di musicisti come Miles Davis.

9. Blues della costa occidentale

West Coast Blues è stato scritto dal genio della chitarra jazz, Wes Montgomery. Questo valzer è apparso per la prima volta nell’album del 1960 di Wes, The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, ed è un grandeesempio dello stile unico e influente di Wes Mongomery

15 accordi jazz per pianoforte popolari resi facili

Una delle caratteristiche più importanti della musica jazz è la sua ricca armonia. A differenza di molte altre forme di musica, è pieno di intricate progressioni di accordi e accordi corposi. Può sembrare un po’ intimidatorio per un estraneo che guarda dentro, ma chiunque abbia una conoscenza di base delle strutture degli accordi non è troppo lontano!

In questo post, esploreremo 15 accordi di pianoforte jazz di base in posizione fondamentale che puoi incorporare nel tuo modo di suonare il pianoforte, sia che tu sia nuovo nel suonare il pianoforte jazz o che tu stia cercando di migliorare le tue capacità jazz da un po ‘.

Gli accordi di pianoforte che tratteremo si trovano in così tante progressioni di accordi jazz comuni. Imparando questi 15 accordi di pianoforte jazz (in ogni chiave), puoi suonare qualsiasi standard jazz che incontri.

Tratteremo gli accordi maggiori essenziali, gli accordi dominanti, gli accordi minori, l’accordo diminuito e le estensioni essenziali in modo che tu possa sederti con altri musicisti jazz alla prossima jam session:

  • Accordi di settima maggiore
  • Accordi di nona maggiore
  • Accordi maggiori di 6/9
  • Accordi di settima dominante
  • Dominante 9 accordi
  • Accordi di dominante 7(b9)
  • Accordi Dominant 7(#9)
  • Accordi Dominant 7(#5)
  • Accordi di 7 dominante (b5)
  • Accordi di settima minore
  • Accordi di 9 minori
  • Accordi di 6 minori
  • Accordi di 7 minore(b5)
  • Accordo di settima diminuita

Prima di iniziare, ho una domanda per te.

Ti senti bloccato nel tuo viaggio al pianoforte jazz? Prendi lezione dopo lezione ma non riesci a fare progressi? Come molti musicisti jazz, probabilmente conosci l’importanza di esercitarti, ma sapevi che esercitarsi è un’abilità che richiede… beh, un po’ di pratica?

La stragrande maggioranza dei pianisti incontra un muro con la pratica e non progredisce mai oltre un certo punto. Se vuoi entrare a far parte di una comunità di avidi jazzisti che desiderano seriamente imparare a esercitarsi in modo efficace, allora devi dare un’occhiata al nostro Inner Circle.

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Una breve parola sull’armonia jazz

Sebbene i musicisti jazz possano usare una parola diversa o un simbolo di accordo per descrivere i toni degli accordi, i gradi di scala o altre caratteristiche della musica jazz, la musica jazz (e la teoria del jazz) opera sullo stesso insieme di regole di base della musica classica, della musica rock e di altri le forme di musica lo fanno. Che tu stia suonando Au Claire De Lune, Rock the Casbah o Giant Steps, tutto si basa sull’armonia terziaria.

Allora perché la musica jazz suona così ricca, espressiva e unica?

Il motivo per cui la musica jazz (e gli accordi di pianoforte jazz che spesso la alimentano) suona così ricco e materico ha molto a che fare con lo stile del pianista e le note che scelgono per rappresentare l’armonia del momento.

Cosa rende Bill Evans diverso da Thelonius Monk? Fondamentalmente, è sia quello che scelgono di suonare sia il modo in cui scelgono di suonarlo. Dall’espressione nella melodia e le particolari voci degli accordi che un musicista sceglie alla tecnica della mano destra o della mano sinistra che usa per suonarla, quando ascolti il jazz, è tutta una questione di personalità dietro la musica.

Sulle origini strumentali del jazz

jazz, forma musicale, spesso improvvisata, sviluppata dagli afroamericani e influenzata sia dalla struttura armonica europea che dai ritmi africani. È stato sviluppato in parte dal ragtime e dal blues ed è spesso caratterizzato da ritmi sincopati, esecuzione di ensemble polifonici, vari gradi di improvvisazione, deviazioni di tono spesso deliberate e l’uso di timbri originali.

Qualsiasi tentativo di arrivare a una definizione precisa e onnicomprensiva del jazz è probabilmente inutile. Il jazz è stato, sin dai suoi inizi all’inizio del XX secolo, una musica in continua evoluzione, espansione, cambiamento, passando attraverso diverse fasi distintive di sviluppo; una definizione che potrebbe applicarsi a una fase, ad esempio allo stile o allo swing di New Orleans, diventa inappropriata se applicata a un altro segmento della sua storia, diciamo, al free jazz. I primi tentativi di definire il jazz come una musica la cui caratteristica principale era l’improvvisazione, ad esempio, si sono rivelati troppo restrittivi e in gran parte falsi, dal momento che anche la composizione, l’arrangiamento e l’ensemble sono stati componenti essenziali del jazz per la maggior parte della sua storia. Allo stesso modo, la sincope e lo swing, spesso considerati essenziali e unici per il jazz, mancano di fatto in gran parte del jazz autentico, sia degli anni ’20 che dei decenni successivi. Ancora una volta, l’idea di lunga data che lo swing non potesse verificarsi senza sincope è stata completamente smentita quando i trombettisti Louis Armstrong e Bunny Berigan (tra gli altri) hanno spesso generato un enorme swing mentre suonavano semiminime ripetute e non sincopate.

Il jazz, infatti, non è – e non è mai stato – una musica interamente composta, predeterminata, né interamente improvvisata. Per quasi tutta la sua storia ha impiegato sia approcci creativi in vari gradi che infinite permutazioni. Eppure, nonostante queste diverse confusioni terminologiche, il jazz sembra essere immediatamente riconosciuto e distinto come qualcosa di separato da tutte le altre forme di espressione musicale. Per ripetere la famosa risposta di Armstrong quando gli è stato chiesto cosa significasse swing: “Se devi chiedere, non lo saprai mai”. Ad aumentare la confusione, spesso ci sono state differenze percettive apparentemente incolmabili tra i produttori di jazz (esecutori, compositori e arrangiatori) e il suo pubblico. Ad esempio, con l’arrivo del free jazz e di altre manifestazioni d’avanguardia degli ultimi giorni, molti musicisti senior sostenevano che la musica che non oscillava non fosse jazz.

La maggior parte dei primi compositori di musica classica (come Aaron Copland, John Alden Carpenter e persino Igor Stravinsky, che si innamorò del jazz) erano attratti dai suoi suoni e timbri strumentali, dagli effetti insoliti e dalle inflessioni del jazz (sordine di ottoni, glissando, scoop, bends, e ensemble senza archi), e le sue sincopi, ignorando completamente, o almeno sottovalutando, gli aspetti estemporanei del jazz. In effetti, i suoni che i musicisti jazz emettono sui loro strumenti – il modo in cui attaccano, flettono, rilasciano, abbelliscono e colorano le note – caratterizzano l’esecuzione jazz a tal punto che se un brano classico fosse suonato da musicisti jazz nei loro fraseggi idiomatici, sarebbe si chiamerebbe con ogni probabilità jazz.

Tuttavia, un aspetto importante del jazz lo distingue chiaramente da altre aree musicali tradizionali, in particolare dalla musica classica: l’esecutore jazz è principalmente o totalmente un compositore creativo, improvvisatore – il suo stesso compositore, per così dire – mentre nella musica classica l’esecutore tipicamente esprime e interpreta la composizione di qualcun altro.

Africa occidentale nel sud americano: raccogliere gli elementi musicali del jazz

Gli elementi che contraddistinguono il jazz derivano principalmente da fonti musicali dell’Africa occidentale portate nel continente nordamericano dagli schiavi, che li hanno parzialmente preservati contro ogni previsione nella cultura delle piantagioni del sud americano. Questi elementi non sono identificabili con precisione perché non sono stati documentati, almeno non fino alla metà e alla fine del XIX secolo, e quindi solo scarsamente. Inoltre, gli schiavi neri provenivano da diverse culture tribali dell’Africa occidentale con tradizioni musicali distinte. Così, una grande varietà di sensibilità musicali nere è stata assemblata sul suolo americano. Questi a loro volta incontrarono piuttosto rapidamente elementi musicali europei, ad esempio semplici musiche da ballo e di intrattenimento e melodie di inni dalle note di forma, come erano prevalenti nel Nord America dell’inizio del XIX secolo.

La musica che alla fine divenne jazz si è evoluta da una miscela ampia e gradualmente assimilata di musiche folk bianche e nere e stili popolari, con radici sia nell’Africa occidentale che in Europa. È solo una leggera semplificazione affermare che gli elementi ritmici e strutturali del jazz, così come alcuni aspetti della sua strumentazione abituale (ad esempio, banjo o chitarra e percussioni), derivano principalmente dalle tradizioni dell’Africa occidentale, mentre le influenze europee possono essere ascoltate non solo nel linguaggio armonico del jazz, ma anche nell’uso di strumenti convenzionali come tromba, trombone, sassofono, contrabbasso e pianoforte.

Le sincopi del jazz non erano del tutto nuove: erano state l’attrazione centrale di uno dei suoi precursori, il ragtime, e si potevano sentire anche prima nella musica dei menestrelli e nell’opera del compositore creolo Louis Moreau Gottschalk (Bamboula, sottotitolato Danse des Nègres, 1844–45, e Ojos Criollos, 1859, tra gli altri). Tuttavia, la sincope jazz ha colpito gli ascoltatori non neri come affascinante e nuova, perché quel particolare tipo di sincope non era presente nella musica classica europea. Le sincopi nel ragtime e nel jazz erano, infatti, il risultato della riduzione e della semplificazione (per un periodo di almeno un secolo) dei disegni complessi, multistrato, poliritmici e polimetrici indigeni di tutti i tipi di danza rituale dell’Africa occidentale e musica d’insieme. In altre parole, le precedenti accentuazioni di più metri verticalmente concorrenti furono drasticamente semplificate in accenti sincopati.

La provenienza della melodia (melodia, tema, motivo, riff) nel jazz è più oscura. Con ogni probabilità, la melodia del jazz si è evoluta da un residuo semplificato e da una miscela di materiali vocali africani ed europei sviluppati intuitivamente dagli schiavi negli Stati Uniti nel 1700 e 1800, ad esempio urla di campo non accompagnate e canti di lavoro associati alle mutate condizioni sociali di Neri. L’enfasi ampiamente prevalente sulle formazioni pentatoniche proveniva principalmente dall’Africa occidentale, mentre le linee melodiche diatoniche (e successivamente più cromatiche) del jazz sono cresciute dagli antecedenti europei della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo.

L’armonia fu probabilmente l’ultimo aspetto della musica europea ad essere assorbito dai neri. Ma una volta acquisita, l’armonia è stata applicata come risorsa musicale aggiuntiva ai testi religiosi; un risultato fu il graduale sviluppo degli spiritual, prendendo in prestito dagli incontri di risveglio religioso bianco a cui gli afroamericani in molte parti del sud erano invitati a partecipare. Un risultato cruciale di queste acculturazioni musicali fu lo sviluppo da parte dei neri della cosiddetta scala blues, con le sue “note blu”, il terzo e il settimo grado bemolle. Questa scala non è né particolarmente africana né particolarmente europea, ma ha acquisito la sua modalità peculiare da inflessioni di tono comuni a un numero qualsiasi di lingue e forme musicali dell’Africa occidentale. In effetti queste deviazioni di tono altamente espressive – e in termini africani molto significative – erano sovrapposte alla scala diatonica comune a quasi tutta la musica classica e vernacolare europea.

Che il jazz si sia sviluppato unicamente negli Stati Uniti, non nei Caraibi o in Sud America (o in qualsiasi altro regno in cui sono stati trasportati anche migliaia di neri africani) è storicamente affascinante. Molti neri in quelle altre regioni erano molto spesso emancipati all’inizio del 1800 e quindi erano individui liberi che partecipavano attivamente allo sviluppo culturale dei propri paesi. Nel caso del Brasile, i neri erano così geograficamente e socialmente isolati dall’establishment bianco che erano semplicemente in grado di conservare le proprie tradizioni musicali africane in una forma virtualmente pura. È quindi ironico che il jazz probabilmente non si sarebbe mai evoluto se non fosse stato per la tratta degli schiavi come veniva praticata specificamente negli Stati Uniti.

Il jazz è cresciuto dagli schiavi afroamericani a cui è stato impedito di mantenere le loro tradizioni musicali native e hanno sentito il bisogno di sostituire qualche forma di espressione musicale nostrana. Compositori come il mulatto brasiliano José Maurício Nunes Garcia erano pienamente in contatto con i progressi musicali del loro tempo che si stavano sviluppando in Europa e scrivevano musica in quegli stili e tradizioni. Gli schiavi americani, al contrario,erano limitati non solo nelle condizioni di lavoro e nelle osservanze religiose, ma anche nelle attività del tempo libero, inclusa la musica. Sebbene gli schiavi che suonavano strumenti come il violino, il corno e l’oboe fossero sfruttati per i loro talenti musicali in città come Charleston, nella Carolina del Sud, queste erano situazioni eccezionali. In generale gli schiavi erano relegati a raccogliere qualsiasi piccolo frammento di musica fosse loro concesso.

Grida campestri e cortei funebri: formare la matrice

Il jazz, come si è infine evoluto come uno stile musicale e un linguaggio distinto, comprendeva ciò che Max Harrison chiama, nel New Grove Dictionary of Music and Musicians, una “matrice composita” composta da una miriade di diversi elementi vernacolari che si sono incontrati a tempi diversi e in regioni diverse. Questa matrice includeva i field hollers delle piantagioni di cotone; i canti di lavoro sulle ferrovie, sui fiumi e sugli argini; inni e spiritual; musica per fanfare, cortei funebri e parate; musica da ballo popolare; la lunga tradizione dell’esecuzione del banjo (a partire dal 1840), che culminò mezzo secolo dopo nell’enorme popolarità del banjo; ciuffi di opera europea, teatro e musica da concerto; e, naturalmente, il blues e il ragtime. Queste ultime due forme iniziarono a fiorire alla fine del XIX secolo: il blues più come musica informale fornita principalmente da cantanti, chitarristi e pianisti itineranti e il ragtime che divenne (nel 1900) l’intrattenimento popolare e la musica da ballo d’America.

Il ragtime differisce sostanzialmente dal jazz in quanto era (1) una musica completamente composta e completamente notata destinata ad essere suonata più o meno allo stesso modo ogni volta, proprio come la musica classica, e (2) una musica scritta inizialmente ed essenzialmente per il piano. Il jazz, al contrario, divenne una musica principalmente strumentale, spesso non notata e parzialmente o totalmente improvvisata. Il ragtime aveva la sua forma a quattro parti derivata dalla marcia, divisa in sezioni successive di 16 battute, mentre il jazz, una volta svezzato dalla forma del ragtime, si è rivolto al blues di 12 battute (o occasionalmente a 8 battute) o al 32- forme di canzoni da bar. Ciò che i due generi musicali avevano in comune erano le loro melodie e i loro temi sincopati (quindi “irregolari”), posti su una costante “regolare”
Accompagnamento 2/4 o 4/4.

Gli anni dal 1905 al 1915 furono un periodo di tremendi sconvolgimenti per i musicisti neri. Anche i molti musicisti che erano stati formati nella musica classica ma non avevano trovato – in quanto neri – nessun impiego in quel campo erano ora costretti a rivolgersi al ragtime, che potevano almeno suonare negli honky-tonk, nei bordelli e nei club; molti di questi musicisti alla fine sono passati al jazz. Centinaia di altri musicisti, incapaci di leggere e scrivere musica, avevano comunque una grande capacità di impararla a orecchio, oltre a un talento musicale superiore. Riprendendo a orecchio il ragtime e la musica da ballo (forse non precisamente), iniziarono quasi per necessità ad abbellire questi brani sincopati – allentandoli, per così dire – fino a quando l’ornamento si trasformò in modo del tutto naturale in semplice improvvisazione. Questo processo ha assunto uno slancio significativamente maggiore una volta che i rags per pianoforte di maestri compositori come Scott Joplin, Joseph Lamb e James Scott sono apparsi in arrangiamenti eseguiti regolarmente da band e orchestre.

Il fatto che il pianista-compositore Jelly Roll Morton fosse uno spaccone che sosteneva di essere “l’inventore del jazz” non dovrebbe oscurare il suo ruolo principale nello sviluppo di quella musica. Già nel 1902 Morton suonava il pianoforte ragtime nei decantati bordelli di Storyville, il famoso quartiere a luci rosse di New Orleans. Successivamente ha iniziato a lavorare come musicista itinerante, attraversando più volte il sud e alla fine si è recato a Los Angeles, dove ha vissuto per diversi anni. Come primo grande compositore di jazz, Morton sembra aver assimilato (come un maestro chef che prepara una grande bouillabaisse di New Orleans) gran parte della suddetta matrice, in particolare blues e ragtime, in un unico nuovo, distinto, coerente stile musicale. Altri, come il sassofonista soprano Sidney Bechet, il trombonista Kid Ory e i cornettisti Bunk Johnson e Freddie Keppard, quattro dei primi musicisti jazz più dotati, arrivarono a conclusioni simili prima del 1920.

Johnson e altri si consideravano musicisti ragtime. In verità, nei casi di molti musicisti di quella generazione – sia neri che bianchi – cresciuti con il ragtime, l’ascoltatore avrebbe difficoltà a determinare quando il loro modo di suonare è passato da stracci abbelliti a jazz improvvisato. I musicisti hanno confermato la tenuità e la varietà di questi primi sviluppi in affermazioni come quella del suonatore di canne Buster Bailey (parlando degli anni prima del 1920): “Io… stavo abbellendo intorno alla melodia. A quel tempo [1917-18] non avrei saputo cosa intendessero per improvvisazione. Ma l’abbellimento era una frase che capivo. E il suonatore di canne Garvin Bushell ha detto: “Non chiamavamo la musica jazz quando stavo crescendo [a Springfield, Ohio]… Il pianoforte ragtime è stato l’influenza maggiore in quella parte del paese… Il passaggio al jazz è iniziato intorno al 1912 a 1915.”

Variazioni su un tema: il jazz altrove negli Stati Uniti

Nonostante l’ampia diffusione e distribuzione geografica di queste diverse tradizioni musicali, New Orleans fu il luogo in cui si sviluppò uno stile jazz distintivo e coerente. Tra il 1910 e il 1915 prende forma una sistematizzazione delle funzioni strumentali all’interno di un insieme essenzialmente collettivo e una regolarizzazione del repertorio. Nonostante il fatto che un set limitato di strumenti fosse disponibile per i musicisti neri (a quel tempo, tipicamente, cornetta, clarinetto, trombone, tuba o basso, pianoforte, banjo e batteria), il sassofono non divenne comune nel jazz per circa un altro decennio ), giunsero a una brillante soluzione che enfatizzava linee indipendenti ma armonicamente collegate e simultanee. A ciascuno dei sette strumenti è stato assegnato un ruolo individuale chiaramente definito nell’insieme collettivo polifonico stabilito. Così, la cornetta era responsabile dell’affermazione e occasionalmente dell’abbellimento del materiale tematico – la melodia – nella gamma media, il clarinetto eseguiva funzioni obbligate o discendenti in un registro acuto, il trombone offriva digressioni contrappuntistiche nella gamma del tenore o del baritono, e i quattro gli strumenti ritmici fornivano una base armonica unificata.

Che questa formazione, che enfatizzava linee simultanee indipendenti ma armonicamente legate, fosse non solo una brillante soluzione ma una necessità è confermato dall’incapacità in quei primi anni della maggior parte dei musicisti di leggere la musica. Non passò molto tempo prima che i musicisti iniziassero ad ampliare questi materiali e ad improvvisare nuove melodie fresche e obbligati di loro creazione. Tuttavia, queste esplorazioni sono rimaste all’interno del concetto di ensemble collettivo del jazz di New Orleans. Pochi musicisti prima del 1925 avrebbero potuto creare assoli indipendenti, estesi e improvvisati. E quando arrivò l’assolo come elemento integrante di un’esibizione jazz, il formato di New Orleans di un’improvvisazione d’insieme strettamente integrata passò di moda.

Intorno al 1915 New Orleans aveva prodotto una serie di musicisti straordinari, per lo più suonatori di cornetta e clarinetto, come il leggendario Buddy Bolden (leggendario in parte perché non ha mai registrato), Buddy Petit, Keppard, Johnson e Bechet. La maggior parte dei musicisti di New Orleans, inclusi decine di pianisti, trovò un impiego stabile nei palazzi di intrattenimento di Storyville, dove, per inciso, il termine jazz, inizialmente scritto “jass”, era la parola gergale comunemente usata per i rapporti sessuali. È ironico che le prime registrazioni jazz siano state effettuate a New York City il 30 gennaio 1917 da un gruppo di musicisti bianchi di second’ordine di New Orleans chiamato Original Dixieland Jazz Band. Quelle registrazioni, con i loro divertenti ma inconsistenti effetti sonori da cortile, presentano un’immagine fuorviante del vero jazz di New Orleans.

New Orleans non era l’unico luogo in cui si stava sviluppando il jazz. A seconda di come viene definito in senso stretto il jazz, alcune prime forme di esso erano praticate in luoghi remoti come Los Angeles, Kansas City, Missouri, Denver, Colorado e le città minerarie del Colorado, per non parlare di Baltimora, Maryland e New York. Città. Le ultime due città menzionate erano i principali centri del ragtime, del primo pianoforte pre-stride, dell’intrattenimento vaudeville, delle orchestre da ballo di grandi dimensioni e del teatro musicale, compreso il teatro creato esclusivamente da artisti neri. Diversi altri gruppi e musicisti jazz almeno embrionali erano attivi a New York tra il 1913 e il 1919, come James Reese Europe e le sue varie orchestre, la Jass Band di Earl Fuller, la band di Ford Dabney e i pianisti James P. Johnson, Abba Labba e Willie “Il Leone” Smith.

La chiusura di Storyville nel 1917 fu un disastro per i musicisti di New Orleans, molti dei quali continuarono a suonare nelle orchestre di battelli fluviali del Mississippi; L’orchestra di Fate Marable era la migliore e la più famosa di queste e includeva, a volte, il giovane Louis Armstrong. Altri si diressero direttamente a nord verso Chicago, che divenne rapidamente la capitale del jazz degli Stati Uniti. King Oliver, il tanto acclamato campione di cornetta di New Orleans, emigrò a Chicago nel 1918 e nel 1922 mandò a chiamare il suo discepolo più talentuoso, Armstrong, per unirsi alla sua Creole Jazz Band come secondo cornettista. I due hanno fatto la storia e hanno stupito il pubblico con le loro pause di duetto astutamente elaborate, e Armstrong ha avuto la possibilità di farsi le ossa musicali improvvisando liberamente contrappunto melodico alla cornetta solista di Oliver. Ancora più importante, la band di Oliver è stata in grado di forgiare uno stile notevolmente unificato e disciplinato, integrando ad un livello molto alto le abilità strumentali collettive e individuali dei musicisti, il tutto espresso in uno slancio irresistibile, meravigliosamente maestoso.

I precursori del jazz moderno

All’inizio degli anni ’30 due gruppi diedero importanti contributi al jazz: i Bennie Moten’s, con le registrazioni di “Toby”, “Lafayette” e “Prince of Wails”, e la Casa Loma Orchestra, con “Casa Loma Stomp” e “San Sue Pavoneggiarsi.” La band Black Moten ha avuto scarso effetto immediato sulla scena jazz più ampia, influenzando invece una cerchia ristretta di contemporanei neri, rivali e addetti ai lavori del jazz. L’energia trascinante, esplosiva e ritmica dei pezzi di Moten, combinata con un virtuosismo strumentale senza precedenti e uno splendido equilibrio di assoli – dei sassofonisti Ben Webster e Eddie Barefield, del trombettista “Hot Lips” Page e altri – con ensemble basati su riff , ha forgiato una svolta nel jazz orchestrale che può essere visto come un precursore del jazz moderno.

La band bianca di Casa Loma ha esercitato un’enorme influenza su una serie di gruppi da ballo (incluse, temporaneamente, alcune orchestre nere, in particolare quelle di Jimmie Lunceford, Fletcher Henderson e Earl Hines). Il ruolo dei Casa Lomans nella storia del jazz rimane controverso, ma è chiaro che furono, per lo meno, la prima orchestra bianca a provare lo swing, anche se i loro ritmi erano più vivaci che swing. La Casa Loma Orchestra è stata anche la prima band bianca a presentare costantemente strumentali jazz, piuttosto che suonare melodie dance arrangiate educatamente con un occasionale assolo caldo. Sotto questi aspetti hanno influenzato le orchestre swing di nuova formazione, comprese quelle guidate da Benny Goodman, Charlie Barnet, Artie Shaw e Larry Clinton.

Per quanto riguarda il fan medio del jazz, la svolta successiva avvenne con la band di Goodman, in particolare il 21 agosto 1935, al Palomar Ballroom di Los Angeles. Quella notte, dopo un viaggio verso ovest tristemente infruttuoso di settimane attraverso il paese, la band di Goodman divenne improvvisamente un grande successo. Quella notte di agosto al Palomar divenne l’evento che inaugurò ufficialmente l’era dello swing, con Goodman che fu presto acclamato come il “Re dello Swing”. Quella deve essere stata una notizia interessante per le band di leader neri come Ellington, Moten, Lunceford, Webb, Cab Calloway e soprattutto Henderson, che suonava da cinque a sette anni. Le partiture che Henderson aveva introdotto alla fine degli anni ’20 e all’inizio degli anni ’30 – “King Porter Stomp”, “Wrappin’ It Up” e “Down South Camp Meeting” – divennero improvvisamente grandi successi per Goodman, che aveva acquisito entrambi gli arrangiamenti di Henderson di questi brani e i servizi dello stesso Henderson quando l’orchestra di Henderson fu costretta a sciogliersi nel 1934. Reinterpretati e stimolati dalle forze Goodman, tra cui lo stellare trombettista Bunny Berigan e l’appariscente batterista Gene Krupa, questi pezzi presero improvvisamente una nuova vita. La formula di Henderson-Redman di mettere solisti contro ensemble e giustapporre costantemente i diversi cori dell’orchestra in schemi di chiamata e risposta divenne la norma ampiamente emulata. Quando la Count Basie band di Kansas City, erede dell’orchestra di Moten, reintrodusse il riff come un altro utilissimo elemento strutturale, la scena era pronta per le centinaia di orchestre che erano sorte sulla scia del successo di Goodman per alimentare l’enorme appetito per musica swing di una generazione di fan del jazz in età universitaria pazzi per la danza. Verso la fine degli anni ’30 il paese era inondato di gruppi da ballo, tutti aderenti a generici principi swing: sezioni antifonali, giustapposizione di assoli e ensemble e melodie sempre più basate sui riff. Sebbene ciò abbia portato a una grande quantità di scorie, molti giovani arrangiatori di talento ora si sono precipitati sul campo e hanno prodotto una quantità impressionante di musica sorprendentemente buona. Questa eccellenza è tanto più notevole in quanto la musica è stata creata principalmente per essere ballata, senza pretese (tranne nel caso del capobanda Artie Shaw) a qualcosa che si possa chiamare arte.

9 fatti che non sapevi sul jazz

Ma se pensi che la musica jazz sia difficile da apprezzare, ecco 9 fatti sul jazz che ti aiuteranno a cambiare la tua percezione del genere.

Per quanto riguarda gli amanti del jazz, probabilmente non ti sei imbattuto nella maggior parte di questi fatti, quindi ti faranno apprezzare ancora di più il jazz.

1. Il jazz è venuto dal pop

Oggi il jazz è la musica dei colti, degli intellettuali e delle élite, ma non è sempre stato così. La maggior parte delle persone pensa che il jazz abbia avuto origine dal blues. Anche se questo non è del tutto sbagliato, dimenticano che il jazz era una combinazione di blues, ragtime, elementi da camera europei e musica da banda musicale dell’inizio del XX secolo.

2. Le origini della parola “Jazz” sono sconosciute

Nessuno sa esattamente da dove provenga la parola “jazz”. Tuttavia, la maggior parte concorda sul fatto che fosse una parola gergale, scritta in vari modi come jass, jaz e jas. Alcuni dicono che il termine derivi dal baseball, dove era usato per descrivere la verve e lo spirito combattivo.

3. Gli artisti jazz usano segnali segreti per comunicare sul palco

Questo è uno dei fatti più scioccanti sul jazz per i non esecutori e anche per i musicisti dilettanti. La musica jazz è complessa e con così tante cose da fare sul palco, i musicisti jazz hanno escogitato segnali non verbali per comunicare tra loro.

Possono annuire per indicare la fine del loro assolo o indicare la testa alla fine di una sezione per dire ai compagni di band di suonare la “testa”, la melodia principale o il ritornello della canzone. È divertente individuare questi segnali e segnali segreti durante un’esibizione dal vivo, quindi tieni d’occhio la prossima volta che ne hai la possibilità.

4. Il jazz sta tornando alla ribalta

Il jazz ha ispirato molti dei migliori musicisti e artisti nel corso dei decenni e ora sta diventando di nuovo popolare. I musicisti e gli artisti jazz stanno diventando mainstream, mentre gli artisti mainstream popolari stanno fondendo il jazz nella loro musica.

Ad esempio, Thundercat è un musicista emergente vincitore di un Grammy, che si diletta con l’acid jazz e ha vinto un Grammy per il suo album Progressive R&B nel 2021. Anche i migliori artisti come Kendrick Lamar ed Esperanza Spalding stanno fondendo la loro musica con il jazz.

Flying Lotus, un produttore, rapper e DJ popolare e altamente sperimentale, sta anche riportando il jazz con la sua musica. (Fatto bonus: è il nipote della leggenda del jazz John Coltrane.)

I sottogeneri più popolari adottati dagli artisti moderni in questi giorni includono hot jazz, acid jazz, world jazz e ibridi infusi di hip-hop.

Ma se pensi che la musica jazz sia difficile da apprezzare, ecco 9 fatti sul jazz che ti aiuteranno a cambiare la tua percezione del genere.

Per quanto riguarda gli amanti del jazz, probabilmente non ti sei imbattuto nella maggior parte di questi fatti, quindi ti faranno apprezzare ancora di più il jazz.

5. Il clarinetto era più popolare del sassofono

Quando la maggior parte delle persone pensa al jazz oggi, viene in mente l’immagine di un sassofonista. Il sassofono è sinonimo della percezione del jazz, ma non è sempre stato così. Prima del sassofono, il clarinetto era la scelta popolare e uno strumento dominante per la musica jazz.

Era popolarmente noto come “bastone di liquirizia” in termini jazz ed era lo strumento che definisce l’era dello swing. Infatti, quando il sassofono è entrato per la prima volta nella scena jazz, la maggior parte dei musicisti jazz non ne ha apprezzato il suono.

6. Il jazz è tra le forme di musica più fluide e ibride

La spontaneità e la natura fluida e vivace della musica jazz la rendono una delle forme di musica più, se non la più ibrida. Ha fornito molti sottogeneri contemporanei come soul jazz, acid jazz, free jazz, ecc.

Non solo questo, il jazz ha anche introdotto molti stili musicali diversi nell’ultimo secolo come swing, gypsy jazz, latin jazz, big band, bebop, bossa nova jazz e dixieland.

7. Il jazz ha influenzato molti stili di danza in America

Prima del jazz, la danza sociale in America era limitata alla danza popolare o al valzer classico e al tango. Quando il jazz ha preso il sopravvento negli anni ’20, ha portato la danza sociale a nuovi livelli. La musica pubblica divenne comune e il jazz si fece strada nelle sale da ballo d’America.

La musica espressiva ha ispirato la danza espressiva, che ha dato vita continuamente a nuovi stili di danza. Stili di danza come il trotto, il tango argentino, il fondo nero, il charleston e molti altri sono diventati popolari nelle sale da ballo americane grazie alla musica jazz.

8. Ascoltare il jazz è salutare in molti modi

Forse uno dei fatti migliori sulla musica jazz è che ascoltarla può aumentare l’immunità, la creatività, la produttività, l’apprendimento e alleviare lo stress. I suoni contagiosi del jazz attivano le onde cerebrali theta negli esseri umani.

Queste onde theta viaggiano a una frequenza compresa tra 4 e 8 Hz e sono le onde cerebrali più creative che produciamo. Ci consentono di elaborare informazioni, formare ricordi, scoprire nuove intuizioni e trovare soluzioni a problemi precedentemente irrisolti.

Se hai mai avuto un “eureka!” momento, era probabilmente il risultato delle onde theta nel tuo cervello. Si ritiene inoltre che il jazz abbia su di noi lo stesso effetto riparatore del silenzio completo, consentendoci di essere più produttivi.

Il jazz può persino ridurre efficacemente lo stress e l’ansia, con un’efficacia simile a un massaggio completo. Ancora più importante, tuttavia, ascoltare il jazz per circa 30 minuti può rafforzare la nostra immunità.

Migliora i livelli di immunoglobulina A del tuo corpo, che gli consentono di combattere e prevenire brutte infezioni che ti fanno ammalare.

9. “Hipster” ha origine da un termine jazz

Ci sono molti termini jazz unici eprobabilmente ne hai sentiti alcuni come “boogie” e “scat”, che è stato reso popolare nientemeno che dalla “Regina del Jazz”, Ella Fitzgerald.

Ma sapevi che la parola “hipster” ha radici in un termine jazz unico?

Probabilmente hai sentito i musicisti jazz essere chiamati “gatti fighi” o “gatti jazz”, ma un altro termine popolare usato per descrivere un “gatto” simpatico e ben informato negli anni ’30 era “hep”.

C’erano molti “hep cats” o “hepsters” nella scena jazz durante gli anni ’30, ed è da qui che deriva il termine “hipster”.

In che modo la musica jazz è diversa dalla musica classica?

Il jazz e la musica classica sono due generi musicali molto diversi. Ma cosa li rende diversi?

Il jazz è spesso associato all’improvvisazione. Ciò significa che i musicisti di un gruppo jazz creano la loro musica sul momento, piuttosto che suonare da una partitura predeterminata. Ciò si traduce in un suono più rilassato e spontaneo.

La musica classica, invece, è tipicamente più strutturata e composta. I musicisti che suonano musica classica spesso seguono un insieme molto specifico di regole e aspettative.

Alcuni dei più grandi musicisti del nostro tempo hanno trascorso tutta la loro carriera a studiare jazz o musica classica, e alcuni rari hanno persino raggiunto la padronanza di entrambi i generi.

In questo blog esploreremo le differenze tra questi due rinomati generi musicali.

Informazioni sul jazz

Il jazz è un genere musicale improvvisato. Ciò significa che i musicisti lo stanno inventando man mano che procedono, il che porta a un suono più spontaneo e fluido. E a differenza della musica classica, il jazz non ha sempre una struttura o una melodia specifica.

Il jazz riguarda anche più la sensazione, o il groove, che la perfezione tecnica. L’enfasi è sulla creazione di un’atmosfera rilassata, ma comunque eccitante.

Se stai cercando qualcosa di un po’ più rilassato e spontaneo, allora il jazz potrebbe essere il genere perfetto per te. È un genere molto sociale e alcuni dei migliori cantanti jazz si nutrono costantemente l’uno dell’energia dell’altro. Questo crea un suono unico che è in continua evoluzione.

Sulla musica classica

La musica classica esiste da secoli ed è considerata una delle musiche più sofisticate al mondo. Spesso è piuttosto formale, con una struttura basata su un insieme di regole.

La musica classica è spesso suonata da un’orchestra, con ogni musicista che suona una parte specifica. E l’attenzione è sulla melodia e l’armonia piuttosto che sull’improvvisazione. Il jazz è influenzato dalla musica classica, ma è anche influenzato dal blues e dallo spiritual, che gli conferiscono il suo suono unico.

Strumenti musicali jazz e classici

Diamo un’occhiata ad alcuni degli strumenti utilizzati nel jazz e nella musica classica.

Nel jazz troverai strumenti come il sassofono, la tromba e il trombone. Questi strumenti sono spesso usati per creare assoli, che è una componente chiave della musica jazz.

Nella musica classica troverai strumenti come il violino, il violoncello e il flauto. Questi strumenti sono spesso usati per suonare melodie e armonie.
Ci sono alcune differenze fondamentali tra questi due stili musicali, ma una cosa è certa: entrambi i generi sono assolutamente fantastici!

Storia del jazz e della musica classica

Si ritiene che la musica classica abbia avuto origine nel periodo medievale e rinascimentale, mentre il jazz è emerso all’inizio del XX secolo. Si potrebbe dire che la musica classica è più raffinata e strutturata, mentre il jazz è più spontaneo e scorrevole.

La musica classica generalmente segue una serie di regole e parametri, mentre il jazz riguarda più l’improvvisazione. I musicisti jazz usano spesso progressioni di accordi e melodie prese in prestito dalla musica classica, ma vi aggiungono il loro stile unico.

La musica jazz nel 21° secolo

Parliamo della musica jazz nel 21° secolo. Proprio come la musica classica, il jazz è in continua evoluzione. Il jazz è sempre sperimentare e spingersi oltre i limiti.

Quello che stai ascoltando ora è una fusione di stili diversi, ed è qualcosa che sta davvero decollando. Il jazz non riguarda più solo l’improvvisazione degli assoli, ma anche il modo in cui gli strumenti vengono suonati e gli arrangiamenti che vengono creati.

Dovresti assolutamente dare un’occhiata alle nuove uscite jazz del 21 ° secolo e sicuramente ti cattureranno per molto tempo!
Conclusione

La musica classica e quella jazz sono due generi molto diversi, ma ciò non significa che uno sia migliore dell’altro. Ogni tipo di musica ha il suo fascino unico e la sua base di fan.

La musica classica è spesso più complessa e intricata, con molti strumenti diversi che suonano insieme contemporaneamente. Dopo una lunga giornata, può essere un modo fantastico per rilassarsi e alleviare lo stress.

La musica jazz è più allegra e vivace, perfetta per le riunioni sociali o quando hai bisogno di un po’ di energia. È anche un ottimo genere per l’improvvisazione, quindi ogni performance è unica.